On Course

최재혁

신원민, 이은호, 윤혁중, 변민지, 조윤혜, 양진석, 정인하, 최재혁

작품은 ‘설득'이라는 인간적 시도에 대한 질문에서 출발한다.
우리는 끊임없이 자신의 생각을 말로 다듬고, 타인의 마음에 도달하고자 애쓰지만, 결국 각자의 세계는 다른 시간과 감각, 감정의 결로 이루어 져 있기에 완전한 이해는 불가능에 가깝다.
Logic은 이러한 소통 의 간극과 인간 존재의 고립감을 무용수들의 움직임을 통해 드러 내고자 한다.
설득하려는 자와 설득 당하려는 자, 혹은 관계 속의 긴장과 어긋남은 몸의 흐름, 즉흥성과 대조, 공간의 충돌과 이완 속에서 그려 질 수 있다.
작품 Logic은 '이해받기'보다는 '이해하고자 하는' 간절한 욕망, 끝내 닿지 못할 것을 알면서도 말을 멈추지 않는 인간의 본성을 현대무용의 자유롭고 다층적인 언어로 풀어내고자 합니다.
논리의 벽 앞에서 감정의 울림이 어떻게 진동하는지를 몸으로 묻는 여정이라 할 수 있다.

작품은 ‘설득’이라는 인간의 인지적·정서적 작동 방식을 안무적 구조로 치환하여, 소통의 메커니즘과 그 실패의 지점을 탐구하는 현대무용 작품이다. 서로 다른 시간성(temporality)과 감각 체계, 정서적 결을 지닌 존재들이 하나의 공간 안에서 조우할 때 발생하는 미세한 어긋남과 간극을 신체 언어로 구조화한다.
안무는 설득의 과정을 ‘제시–저항–균열–재구성’의 흐름으로 설정하고, 반복과 변주, 동시성과 비동시성, 유니즌과 해체의 대비를 통해 관계의 역학을 드러낸다. 설득하려는 신체는 직선적이고 전진적인 에너지, 명확한 방향성과 리듬을 갖는 반면, 설득당하는 신체는 지연, 회피, 비틀림, 무게의 이동을 통해 응답한다. 이때 발생하는 물리적 거리와 시선의 교차, 접촉과 이탈은 공간 구성의 충돌과 이완 속에서 가시화된다.
또한 즉흥적 요소를 부분적으로 개입시켜 논리적 구조와 예측 불가능한 감정의 진동이 공존하도록 설계한다. 이는 논리의 체계가 감정의 파동을 완전히 포섭하지 못하는 지점을 드러내며, 설득이라는 행위가 본질적으로 불완전한 시도임을 드러낸다.
Logic은 ‘이해받음’의 결과가 아닌 ‘이해하고자 함’의 지속성에 주목한다. 끝내 도달하지 못할 가능성을 인지하면서도 말을 멈추지 않는 인간의 태도를, 반복되는 신체적 제안과 미완의 동작, 잔여 동작(residual movement)의 축적을 통해 형상화한다. 이 작품은 논리의 구조적 질서와 감정의 비가시적 울림 사이의 긴장을 신체적 질문으로 전환하며, 관계 속 인간 존재의 고립과 연결의 가능성을 동시에 사유하게 하는 안무적 실험이다.

Verena Billinger & Sebastian Schulz

Jungyun Bae, Neve Arbel, Frank Koenen

LOVE explores what drives people — where we are tender, vulnerable, and fragile, irritable or angry.
In a present shaped by social conflict and shifting affects between rage, exhaustion, loneliness, and euphoria, the work turns to the form of the musical and its aesthetic heyday in the 1960s and 70s.
Works such as Les Misérables (class struggle, revolution), West Side Story (migration), Hair (anti-war protest), and The Rocky Horror Show (queer emancipation) combine profound social conflicts with positivity and exuberance.
Precisely this clash — the negotiation of contradictions within a unifying popular form — seems a productive approach to engaging with thepresent.
The musical as an inherited form opens up spaces for thought that lead out of the overheating of the current moment.

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LOVE는 사람들을 움직이는 원동력, 즉 우리가 여리고 취약하며 연약한 부분, 짜증스럽거나 분노하는 부분을 탐구합니다.

사회적 갈등과 분노, 피로, 외로움, 환희 사이를 오가는 감정의 변화무쌍함으로 점철된 현재 속에서, 이 작품은 뮤지컬이라는 형식과 1960년대와 70년대의 미학적 전성기로 시선을 돌립니다.

레미제라블(계급 투쟁, 혁명), 웨스트 사이드 스토리(이주), 헤어(반전 시위), 그리고 록키 호러 쇼(퀴어 해방)와 같은 작품들은 심오한 사회적 갈등과 긍정성, 그리고 넘치는 활력을 결합합니다.

바로 이러한 충돌, 즉 대중적인 형식 안에서 모순을 조율하는 과정이 현재를 대하는 데 생산적인 접근 방식처럼 보입니다.

계승된 형식인 뮤지컬은 현재의 과열된 분위기에서 벗어날 수 있는 사유의 공간을 열어줍니다.

LOVE works with the aesthetics of the musical using the means of choreography and contemporary dance.
Rather than restaging a musical, it interrogates its forms, plays through them, and explores them.
Drawing from acoustic material and musical pathos, dance-performative interventions are set in relation to a fragmented soundtrack — questioning the promises of the musical and distilling its most relevant motifs for today.
As artefacts of the past, the musicals thus open up an estranged relationship to the present and its upheavals.
LOVE asks about the possibility of togetherness in our fragmented present: How can community be created despite differences?
With a heterogeneous ensemble, the work stages a celebration of devotion, emotion, and fragment — and in doing so, questions the festive impulse of the musical and its exuberance.
Against the global clash of interests, LOVE sets a celebration against the fixed and the rigid: a choreographic sketch, an event.
In the contested present, spaces are thus created for thinking, feeling, and connectedness — against the ubiquity of antagonism.

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LOVE는 안무와 현대 무용이라는 수단을 통해 뮤지컬의 미학을 탐구합니다.

뮤지컬을 단순히 재현하는 것이 아니라, 그 형식에 의문을 제기하고, 그 안에서 유영하며, 탐색합니다.

음향적 소재와 음악적 애절함에서 영감을 얻은 무용 퍼포먼스는 단편적인 사운드트랙과 연관되어 뮤지컬의 약속에 의문을 제기하고 오늘날에 가장 적합한 모티프를 추출합니다.

과거의 유물로서 뮤지컬은 현재의 격변과 소외된 관계를 맺습니다.

LOVE는 단편화된 현재 속에서 함께할 수 있는 가능성에 대해 묻습니다. 어떻게 차이점에도 불구하고 공동체를 만들 수 있을까요?

이 작품은 다양한 구성원으로 이루어진 앙상블을 통해 헌신, 감정, 그리고 단편성을 기념하며, 뮤지컬의 축제적 충동과 그 넘치는 활력에 의문을 제기합니다.

세계적인 이해관계의 충돌 속에서 LOVE는 고정되고 경직된 것에 맞서는 축제를 펼칩니다. 안무 스케치이자 하나의 사건입니다.

갈등으로 점철된 현재 속에서, 적대감이 도처에 만연한 현실에 맞서 생각하고, 느끼고, 연결될 수 있는 공간이 만들어집니다.

정희은, 김천웅

김단, 설은주, 양다원, 윤명인, 이수민, 이예림, 임재령, 허결

우리는 모두 파편이다.

삶의 순간순간, 우리로부터 떨어져 나와 하늘을 가로지르는 빛의 조각들.〈별찌 비나리〉는 그 파편들이 지닌 고통과 소진, 그리고 그 끝에서 피어나는 환희를 몸으로 탐구하는 작품이다.

‘별찌(유성)’와 ‘비나리(축복)’라는 순우리말에서 출발한 이 작품은, 하늘에서 떨어지는 별똥별처럼 스스로를 불태우며 가장 밝게 빛나는 순간을 포착한다. 유성은 소멸의 과정에서야 비로소 찬란한 빛을 발한다. 이 역설이 바로 작품의 핵심이다. 고통과 소진은 환희의 반대편이 아니라, 환희에 이르는 유일한 통로라는 것을, 무용수들의 몸을 통해 드러내고자 한다. 지치고 한계에 다다른 육체가, 그 끝을 통과한 뒤에야 열리는 감각의 문. 인내의 극단에서 피어나는 섬세한 지각과 에너지의 폭발. 이 작품은 그 문을 향해 달려가는 공연이다.

안무는 ‘하강하는 파편’의 이미지를 바탕으로 구성되었다. 무용수들은 하나의 파편이 되어 극의 끝까지 올라가며 상승하는 에너지를 구현하고, 관객은 그들이 남긴 서로 다른 파편들을 모으며 공연을 완성한다. 결국 관객 각자는 자신의 파편을 통해 삶의 순간들을 축복하고, 그 안에서 환희를 발견하게 된다.

별빛처럼 가득 차고, 공연은 모두에게 전해지는 ‘연결과 치유의 축복’으로 마무리된다.

〈별찌 비나리〉는 공연이 펼쳐지는 찰나의 순간에만 존재하는 에너지를 피부로 느끼게 하는 작품이다. 무용수들의 소진하는 몸짓을 가까이에서 목격하며, 관객은 일상에서는 경험할 수 없는 환희에 동화된다. 그리고 결국 한 공간 안에서 무용수들과 함께 춤추며, 스스로도 밝게 빛나는 하나의 파편이 된다.

파편의 기원 : 우리로부터 떨어져 나온 조각들

흰댄스의 〈별찌 비나리〉는 순우리말 ‘별찌(유성)’와 ‘비나리(축복)’에서 비롯된 제목으로, 하늘에서 떨어지는 빛의 파편과 그 파편에 깃든 삶의 축복을 상징한다. 마치 하늘에서 떨어지는 별똥별을 보며 무엇인가를 축복하고 이루기 위해 소원을 빌 듯이 말이다. 이 작품은 우리에게 주어진 삶의 순간들, 곧 찰나에 스쳐 지나가며 쉽게 사라지는 기억과 감정의 조각들을 ‘하강하는 파편의 이미지’를 포착하는 데서 출발한다. 관객들은 하나의 파편이 되에 극에 달아 끝까지 올라가는 무용수들(상승하는 에너지)을 서로 다른 파편들로 포착하고 그 파편들을 모아가며 공연을 향유해, 종국에는 각자의 파편들을 통해 삶을 축복하고 그 순간속의 환희를 경험한다.

유성은 스스로를 소진하는 과정에서 가장 밝게 빛난다.

고통과 소진이 환희의 반대편이 아니라, 환희에 이르는 유일한 통로일 수 있다는 것. 흰댄스는 그 역설을 몸으로 탐구하고자 한다. 인내의 끝에서 피어나는 감각, 한계를 통과한 이후에야 열리는 지각의 문. 이 작품은 그 문을 향해 달리는 공연이다. 공연이 펼쳐지는 순간에만 존재하는 무용수들의 에너지를 가까운 거리에서 피부로 느끼며 그 찰나의 순간의 소중함을 직접적으로 느낀다. 종국에는 그들과 동화되어 한 공간 안에서 무용수들과 춤을 추며 일상에서 경험하지 못하는 환희를 경험하며 밝게 빛나는 하나의 파편이 된다.

찰나의 축복

무용수와 관객은 즉흥적 선택(무용수의 동작 변화나 관객의 반응)에 따라 예측 불가능한 순간들을 만들어낸다. 무용수들은 이전 장면에서 축적된 에너지를 폭발시키듯 춤추며, 빛과 소리가 어우러진 무대는 반짝이는 별빛처럼 공간을 채운다. 이 순간, 관객은 손뼉을 치거나 몸을 움직이며 에너지에 동참한다. 공연은 모두에게 전해지는 ‘축복’ [연결과 치유의 감각]으로 마무리된다.

Wong Lai Kei Kristy

Wong Lai Kei Kristy, Fung Kei, Wong Cheuk Lam, Xiong Yilin, Yu Zhixuan, To Wing

This choreography begins with my obsession with the body.
Some emotions, I've found, reside so deeply that words cannot reach them.
Yet the body remembers.
We learned to let the body become the story itself, exploring connections
between people and the emotions that words rarely capture.
The journey begins aboard a train.
It is both a farewell and a reunion.
It is the platform of departure and of arrival.
Inspired by Toshikazu Kawaguchi’s novel, Before the Coffee Gets Cold,
we find ourselves compelled to ask—
What if you could return to a single moment?
What if you could say one more word?
What if you could take one more look at someone?

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이 안무는 몸에 대한 저의 집착에서 시작됩니다.

어떤 감정들은, 말로는 표현할 수 없을 만큼 깊숙이 자리 잡고 있다는 것을 알게 되었습니다.

하지만 몸은 기억합니다.

우리는 몸 자체가 이야기가 되도록 하는 법을 배웠고, 말로는 좀처럼 담아낼 수 없는 사람들과 감정 사이의 연결고리를 탐구했습니다.

이 여정은 기차 위에서 시작됩니다.

이것은 이별이자 재회입니다.

이곳은 출발이자 도착의 플랫폼입니다.

가와구치 토시카즈의 소설, 『커피가 식기 전에』에서 영감을 받아,

우리는 다음과 같은 질문을 던지지 않을 수 없습니다.

만약 단 한 순간으로 돌아갈 수 있다면?

만약 한 마디만 더 할 수 있다면?

만약 누군가를 한 번만 더 바라볼 수 있다면?

On a hidden platform, a train waits—one that appears on no schedule.
Some say that if you board it, you can travel back to the past.
But you must follow three rules that cannot be broken:

1. The ticket is valid for one journey only.Re-entry is not permitted.
2. Passengers are required to stay within the carriage.
3. You must return to your assigned seat before the final arrival.

You cannot alter the present.
You may return only for a moment
—perhaps to speak words left unspoken, or to see someone, one last time.

When the bell rings and the doors close, what will you gain from this journey?
And what will you leave behind?

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숨겨진 승강장에 기차가 기다리고 있다. 정해진 시간표도 없는 기차.

어떤 이들은 이 기차에 오르면 과거로 돌아갈 수 있다고 말한다.

하지만 어길 수 없는 세 가지 규칙을 따라야 한다.

1. 티켓은 한 번의 여정에만 유효하며, 재탑승은 허용되지 않는다.

2. 승객은 객차 안에 머물러야 한다.

3. 최종 도착 전에 지정된 좌석으로 돌아가야 한다.

현재는 바꿀 수 없다.

단지 잠시 동안만 돌아갈 수 있을 뿐이다.

어쩌면 하지 못한 말을 전하거나, 누군가를 마지막으로 보기 위해서일지도 모른다.

종이 울리고 문이 닫힐 때, 당신은 이 여정에서 무엇을 얻게 될까요?

그리고 무엇을 뒤에 남겨두게 될까요?